Orson Welles tuvo que recuperar su credibilidad como director con esta pequeña y desconocida producción del cine negro. Su libertad de acción fue recortada a fotografía y planos, los cuales aprovecha hasta el último aliento del film, en un macabro juego de luces y sombras que hacen honor a todo lo que al cineasta le fue privado.
El extraño es, en resumidas palabras, una historia de persecuciones y de fantasmas del pasado, mitos europeos en América y sospecha hitchcockiana que bien podría recordar a “La sombra de una duda”
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I KILLED MY MOTHER (Xavier Dolan-Tadros, 2009)
La película, escrita, dirigida y protagonizada por un canadiense de 19 años, narra el odio que va desarrollando un joven muchacho hacia su madre. Estampa juvenil y fresca de un tema actual. Los planos, la fotografía, el montaje… todo resulta atractivo, pero falta madurez.
El film llegó, merecidamente, a los oscar seleccionada como mejor película de habla no inglesa, aunque se quedó en el camino. El muchacho es bueno, pero Campanella lo fue más (al menos ese año)
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UNDERGROUND (Emir Kusturica, 1995)
Esta película de Emir Kusturica que ganó la palma de oro en Cannes en 1996 viene a ser un claro ejemplo de que hay películas que siguen traspasando la concepción del propio cine actualmente.
En Underground los personajes son sucios y juegan unos con otros para conseguir sus propios fines: en el centro, un hombre esconde a otro en su sótano junto con un grupo de fabricantes de armas durante casi dos décadas, engañándolos con que
Una muestra desoladora del mundo real e imaginado.
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THE FALL EL SUEÑO DE ALEXANDRIA (Tarsem Singh, 2006)
Lo primero que llama la atención de esta película es su sobresaliente estética. La historia pretende emular una especie de Las Mil y Una Noches reducidísima y mucho más simple.
Lo que podría ser un exótico cuento indio, no pasa de ser un intento de producción americana de mucho presupuesto, bellísima estética, buenas ideas pero blando contenido. Tiene madera... pero no prende
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Fue declarada de interés nacional al igual que otros grandes clásicos españoles de la época como “Surcos” (1951).
Esta película parece adaptada de un cómic por diversos motivos. En particular, lo caricaturesco de sus personajes, descritos en los créditos con apodos como “los melgos” “el padrino” o “la enamorada” y que se enmarcan en un ambiente de clichés que se van sucediendo por medio de gags.
Pese a que la película narra todo un año de vivencias de esta numerosa familia, parece haber habido una extraña complicidad nacional por encasillar a la cinta de Palacios dentro de un ambiente navideño, como ocurre también con la película de Frank Capra de 1942 ¡Qué bello es vivir!
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EL MALVADO ZAROFF (Ernest B. Schoedsack , Irving Pichel, 1932)
Ese gusto por lo salvaje, por el contacto del ser humano con terrenos que ahondan en lo que nadie puede controlar (la naturaleza y la mente humana), eran temas que el director Ernest B. Schoedsack volvería a tocar un año más tarde en King Kong, haciendo gala de modernos (para la época) efectos especiales.
Pero en El malvado Zaroff ya se encuentran estos atributos en una historia que mucho tiene que ver con la del mencionado King Kong: el “ser humano” en un mundo extraño donde es presa de un temible enemigo superior.
Fuelle falta pese a las deslumbrantes imágenes, la trepidante trama y el inteligente guión.
DONDE VIVEN LOS MONSTRUOS (Spike Jonze, 2009)
Bizarra y oscura adaptación del cuento de Maurice Sendak que quizás pretenda crear un nuevo mundo como en su día lo hizo Pesadilla antes de Navidad: un mundo alejado pero cercano a los niños, compuesto de paisajes desoladores donde habitan unos seres que los niños idolatran y temen a partes iguales.
La película, que se torna algo redundante a medida que avanza, está perfectamente coreografiada por la música de Karen O, cantante y líder del grupo neoyorkino Yeah Yeah Yeahs.
LOS GIRASOLES (Vittorio de Sica, 1970)
Una de las películas más desoladoras de Vittorio de Sica. Narra la historia de Giovanna, una mujer que ve marchar a su marido a luchar en
La psicología de los personajes evoca al Hitchcock de “Vertigo”. La música y ritmo de la película se entrecruzan en un océano de compasión y pérdida. Bella, de principio a fin.
EL PRADO (Jim Sheridan, 1990)
El prado, en su sentido más próximo al mensaje de la propia película, podría denotar en cierto modo un Fitzcarraldo irlandés que lucha en contra de lo que no tiene vuelta de página, solo que este particular Fitzcarraldo no lucha en contra de la naturaleza, sino del género humano.
No obstante, la naturaleza tiene un peso importantísimo en este film que bien podría clasificarse de naturista por sus convicciones tradicionales y de valor hacia dichos bienes.
En el film de Sherridan, un viejo irlandés lucha sin descanso por un valle el cual ha trabajado toda su vida para convertirlo en un lugar especial.
MEMENTO (Christopher Nolan, 2000)
Memento juega con los elementos básicos de cualquier thriller americano pero configurados bajo el punto de vista subjetivo del protagonista: un policía que sufre una extraña enfermedad amnésica que dificulta tanto su vida privada como su vida profesional, que se confunden en el film. Así, la composición del montaje representa toda la carga de interés de Memento y uno de los elementos más repetidos en la filmografía de Nolan. La película comienza desde cero cada diez minutos que va avanzando, y lo hace precisamente retrocediendo atrás en el tiempo desde unos inolvidables créditos (precisamente el final argumentativo de la película).
Esta es una de ellas. El contenido de la cinta es una especie de sinfonía muda inclasificable que desvela, como hizo en su día el David Lynch de Twin Peaks, los secretos más oscuros de un idílico y bucólico pueblo húngaro. Todo esto envuelto con humor negro en papel de documental (hay quien ha descrito la película como "una novela de Agatha Christie a lo documental de National Geographic"). Pero lo realmente destacable es la sutileza: muestra poco de dichos secretos, pero los sabe mostrar en el momento y, sobre todo, en el lugar preciso para que se nos pongan los pelos como escarpias. El mérito: del montaje.
El film enhebra la historia de tres generaciones diferentes de una familia establecida en Europa del este desde la segunda guerra mundial (el abuelo) hasta la caída del comunismo y el ascenso del capitalismo bien reflejado, por otra parte, en la historia del nieto. Entre medias, el padre pretende dar una imagen de “deportista de élite” si comer hasta reventar se puede considerar “deporte”.
La excelente toma circular o cíclica de la fanega que es utilizada por las tres generaciones para tareas muy distintas ofrece una crucial ayuda en el entendimiento del film y sus valores, así como la escena de la compra que el hijo realiza en el supermercado.
Finalmente, el estilo desarrollado por Pálfi en sus películas se circunscribe a la perfección en la escena cinematográfica europea que corresponde a los mundos bellos y bizarros. Mundos que fueron, por otra parte, construidos artesanalmente como en antaño hicieron los pioneros Méliès o Segundo de Chomón por otros más actuales como los checos Jan Svankmajer y Karel Zeman o el ya mencionado director húngaro Béla Tarr. 
En este contexto de innovación y experimentación surgió "Vampyr", la primera y última película de terror fantástico del mencionado director danés.
Vampyr narra una historia de terror y fantasía, de brujas y vampiros, crímenes desde ultratumba y la eterna lucha entre el bien y el mal. Los personajes, engarzados todos por el protagonista, Allan Gray, no son más que fichas de ajedrez de un tablero donde lo que en realidad importa, lo que en realidad trasciende más allá del argumento, es el mágico y espectral juego de luces y sombras, esto es: los planos, el encuadre, los decorados naturales y la iluminación.
Por todo esto, la imagen roba protagonismo a la historia, que se solapa, se torna oscura e incierta, muchas veces inexplicable. Los símbolos (el extraño hombre de la guadaña al principio de la película, el baile de sombras...) no nos ayudan a dar sentido a la película, sino que predicen lo que en ella va a ocurrir.
El argumento se ve truncado por culpa de cosas que no aparecen. Trozos de la historia que no vemos, pero que deberían estar allí. Y de aquí sacamos la conclusión; con terror y cierta emoción comprendemos por las imágenes que nos muestra la cámara que ésta solo es un personaje más, y que como cualquier personaje solo conoce parte de la historia.
Tren de sombras (1997) es, en primer lugar, la película experimentalmente más revolucionaria del cine español. Disfrazada de documental (falso, por supuesto) el film de Guerín nos muestra la incansable búsqueda de fantasmas entre las últimas grabaciones de un abogado parisino con afán de director de cine mudo, fallecido en extrañas circunstancias junto al lago Le Thuit mientras buscaba las luces adecuadas para la filmación de una nueva película.
A diferencia del personaje de Murnau en su película Phantom, Guerín si que encuentra su fantasma, y nos lo revela como un apreciadísimo secreto escondido entre los fotogramas de esta obra maestra, una obra que, por otra parte, supone un inmenso homenaje al cine, al que se refiere en el título de la película.
Herzog es muchísimo más que un simple director de cine. Werner Herzog es un antropólogo, un explorador y descubridor de éste mundo, un polifacético personaje cuya línea que divide vida y obra ha ido poco a poco desapareciendo. Sus múltiples proyectos van desde los dramas más arriesgados hasta los documentales más creativos pasando por colaboraciones con directores amateur y apariciones como actor en algunas películas de cine underground (merece la pena destacar Gummo y Julien Donkey-Boy, de Korine y Man of flowers, de Paul Cox). Injustamente sería también omitir su contribución a la literatura en diversos medios.
La película de Errol Morris se estrenó el 19 de octubre de 1980 bajo el título de "Gates of Heaven", un curioso documental sobre el negocio de los cementerios de animales y la relación de afectividad entre humanos y mascotas. El material revelado y el montaje resultante hacen pensar que el propio Morris se ríe de la tesis que muestra en su película, y de los curiosos entrevistados que van desfilando ante la cámara.
Y finalmente Herzog no solo llegó a comerse su propio zapato, sino que dicho evento fue fruto de un programa televisivo y un corto dirigido por Les Blank y escrito por el propio Herzog en el que contaba, entre otras cosas, las consecuencias físicas de haberse arrojado a un cáctus tras el estreno de su primera película.
Klaus Kinski (en la foto) ya fue compañero de Herzog incluso antes de serlo en el trabajo. Fue en un piso que compartían ambos cineastas en la época de los cincuenta. Ya entonces Herzog sintió una fuerte atracción hacia la enigmática personalidad de Kinski, personaje ego maníaco que podía pasar días realizando un mismo ejercicio de interpretación o destruir entero el mobiliario del piso tras un ataque de ira completamente irracional.
Nicky, la aprendiz de bruja (Hayao Miyazaki, 1989)
