Mitos del Terror: La escuela antigua

MONSTRUOS... Y es que el cine sirve para provocarnos todo tipo de sensaciones, y el terror es una de ellas.

Las películas de terror hay que verlas siempre a oscuras, de espaldas a la puerta y/o ventanas y ya, si logramos dejar alguna puerta exterior, ventana o contraventana abierta para que chirríe con el viento, mejor que mejor.

Existen muchos tipos de películas de terror: de monstruos, asesinos (en serie), bichos (casi siempre suelen ser gigantes), espíritus, psicológicas... en tres sesiones me propongo dar un repaso a través de la historia del cine de los principales personajes que protagonizaron y protagonizan estas películas. Hoy...

LA ESCUELA ANTIGUA

Era un tipo de terror basado en personajes más oscuros y góticos, casi siempre procedentes de novelas a las que luego eclipsarían, haciendose más grande el monstruo que el creador. Normalmente eran monstruos, muchos procedentes de la mitología popular como, por ejemplo, las brujas.

Drácula

Se hizo más famoso que el personaje histórico real, más grande que su autor (Bram Stoker), más grande que su novela homónima, y fué llevada a la gran pantalla hasta la saciedad. Su actor original (Bela Lugosi) triunfó con él y vivió de él. Tal sería su compenetración con el personaje, que moriría ya de anciano en su castillo pensandose que él era el verdadero Drácula.

Frankenstein

Fué la eterna lucha, Bela Lugosi contra Boris Karloff, actor que interpretó al Frankenstein original. No hizo tantas películas como Lugosi y se podría decir que, hasta cierto punto, Lugosi le ganó la partida, aunque Karloff no tuvo un final tan trágico como el de su colega. En el crepúsculto de la primera época de películas de terror, los dos actores se juntaban morbósamente para protagonizar alguna película de terror ya decadente y agonizante.

La momia

Fue un personaje de Karloff que no llegó a cuajar tanto como los dos anteriores pese al éxito de la cinta.

El hombre invisible

Fue otro personaje que se llevó una gran decepción al solo triunfar con una cinta. Eso, en una época en la que se repetía todo hasta la saciedad (sobre todo en norteamérica), era un fracaso total.

Los "Freaks"

No surgió con Todd Browning pero sí que cobró un nuevo sentido con él. Los "Freaks" son criaturas deformes, carentes de todo tipo de miembros... Suelen exhibirse en ferias y son completamente inofensivos... a no ser que se les intente hacer daño, como ocurría en la película homónima del ya mencionado director, que supuso un hito en la historia del cine. Nunca se ha hecho nada igual.

King Kong

Fue catalogado como monstruo por las personas, que lo capturaron y, arrancándolo de su hogar, lo llevaron a la sociedad para pasatiempo y atracción del ser humano. Damos hasco.

El hombre lobo

Fue el último clásico de terror de la Universal. Como todas, le siguieron numerosas imitaciones, secuelas, remakes, adaptaciones y parodias.

Y la semana que viene: la nueva escuela: el impacto de Norman Bates en "Psicosis" hace que la gente pase de tener miedo a los monstruos para tener miedo a las personas normales y corrientes... comienza el furor por los asesinos en serie.

El retorcido mundo de David Lynch

David Lynch es mi pasión. ¿Por qué? Porque es sugerente, misterioso, atractivo. Porque sus películas son oscuras y bellas a la vez, son como un cúmulo de misterios, como un puzzle en una habitación a oscuras que poco a poco se va iluminando. David Lynch es, sin lugar a dudas, uno de los grandes genios de la historia del cine y uno de los más influyentes actualemente.

Hoy os ofrezco una visión panorámica, anecdótica e interesante a toda su obra cinéfila, pues este mago, además de cine, hace música, publicidad, cuadros, esculturas... un Da Vinci, en fin...

PRIMEROS PROYECTOS: CABEZA BORRADORA ("ERASEHEAD")

Comencemos por "Cabeza Borradora", su primer film, que se estuvo gestando y rodando durante más de siete años, debido a problemas de dinero (Lynch gastó pronto todo el presupuesto y se vió obligado a pedir dinero a sus amigos y familiares). No obstante, el resultado fue una película única en la historia del cine, inigualable y bizarra. Con influencias surrealistas y acertadamente rodada en blanco y negro, nos cuenta la historia de un joven cuya novia da a luz a un extraño ser que no deja de llorar. La leyenda negra cuenta que ese "ser" era real, y que Lynch gastó parte del presupuesto en conseguirlo para su película.

EL HOMRE ELEFANTE

"Cabeza Borradora" o "Erasehead" atrajo la atención de muchos, incluido el productor y realizador británico Mel Brooks, quién propuso a Lynch el proyecto que sería su segunda película "El hombre elefante", un biopic sobre John Merrick, un hombre que nació con grotescas deformaciones. La película pasó enseguida a ser un clásico, y la carrera de Lynch se afirmó, y más cuando fue nominado a ocho oscars (entre ellos mejor dirección y mejor guión para David Lynch) de los que no ganó ni uno. No obstante, la película es todo un clásico, una obra humana y profundamente sincera sobre el ser humano.

PROYECTO FRACASADO: DUNE

Posteriormente, Lynch fue contratado de nuevo, esta vez por una productora italiana que le propondría adaptar la novela de ciencia ficción de Frank Herbert "Dune". El trato era que Lynch dirigiría esta y luego otra diferente, sobre la que él tendría control artístico total. Pues bien "Dune" (que se pensaba que iba a conseguir un éxito si no tanto, similar al de "La guerra de las galaxias") resultó ser un fiasco comercial repudiado hasta por la crítica. Para recuperar las pérdidas, la producatora propuso alargarla para convertirla en serie de televisión y venderla a las cadenas, a lo que Lynch se opuso firmemente.

MÁS JOYAS: BLUE VELVET

El segundo film con dicha productora (en el que Lynch gozaba de libertad para dirigirla como quisiese) fue, curiosamente, un éxito de público y crítica que concedió a Lynch su segunda nominación al oscar como mejor director (y que tampoco consiguió). La historia (protagonizada por el mismo actor que había protagonizado Dune, Kyle McMachlan) gira en torno al descubrimiento del lado oscuro de una ciudad por parte de un joven, cuando encuentra una oreja cortada en el césped. La mágica interpretación de Isabella Rosellini y de Laura Dern dan un toque muy personal a la dirección de Lynch, y la escena de la violación pone la guinda de la parafilia del realizador. Woody Allen afirmó que era la mejor película del año.

EL IMPACTO DE TWIN PEAKS

Al no tener financiación para posteriores guiones, David Lynch se juntó con el productor Mark Frost para trabajar en la serie televisiva "Twin Peaks", que nada más estrenarse en la BBC, se convirtió en un fenómeno televisivo que pronto se extendería por todo el mundo. La serie giraba en torno a la historia de una ciudad al norte del estado de Washington, en EEUU, aparentemente normal. Allí aparece el cadáver de Laura Palmer en la orilla de un lago envuelta en plástico. El agente especial Dale Cooper, del FBI, irá a investigar y descubrirá, poco a poco, que ese pueblo y sus gentes esconden terribles secretos.

Lynch dirigió varios capítulos de esta genial serie, pero no pudo evitar en chocar con los responsables de la cadena. Ellos insistían en revelar la identidad del asesino de Laura Palmer en la sengunda temporada mientras que Lynch quería llevarlo hasta el final. Una vez se hubo revelado la identidad del asesino, la serie siguió emitendose, pero pronto la audiencia caería. Un ultimatum incitó a Lynch a dirigir un último capítulo que pondría el broche de oro a una serie inigualable.

Visto el fracaso final de la serie, Lynch se decidió a llevarla a la gran pantalla en una precuela que narraba los últimos días en la vida de Laura Palmer. El proyecto fué un autentico desastre que propició al director las peores críticas de su carrera (incluso fue abucheado en Cannes).

NUEVOS PROYECTOS, NUEVAS SERIES

Tras Twin Peaks y Corazón Salvaje, Lynch volvería a colaborar con Badalamenti (su músico compositor) en el proyecto perdido de: Industrial Symphony No. 1: The Dream of the Broken Hearted, y con Mark Frost en una serie para la BBC llamada "On the Air", sobre los orígenes de la televisión americana, y más tarde, en solitario, la serie "Hotel Room", para la HBO (A dos metros bajo tierra...) las cuales fracasarían enseguida.

"CARRETERA PERDIDA" Y "UNA HISTORIA VERDADERA"

Volviendo al género que le ocupaba, Lynch rodó y estrenó en 1997 un oscuro film psicológico al que tituló "Carretera perdida" (Lost Highway) y que, a pesar del escaso éxito comercial, fue condecorada por la crítica y consiguió atraer a espectadores de la llamada "Generación X" gracias a su banda sonora, en la que participaron grupos como Marilyn Manson, Rammstein, The Smashing Pumkins o NIN, entre otros.

En 1999, David Lynch nos dio a todos una lección de humanidad que pilló por sorpresa a muchos, pues este director de lo bizarro dirigió una película para la factoría Disney, en la que brotaba el humanismo y el realismo. Se tituló "Una historia verdadera" (The Straight Story), y giraba en torno a una historia real: un anciano bonachón que recorre en Estados Unidos varios cientos de kilómetros en su cortacésped para ir a ver a su hermano enfermo, con el que no se habla desde hace años. La película fue satisfactoria tanto en críticas como en acogida de público.

MULHOLLAND DRIVE

Ese mismo año, Lynch había recivido luz verde para su nueva serie para la BBC cuando, tras varios incidentes de presupuesto y de más asuntos, fue suspendida tras haber rodado el episodio piloto. Con un presupuesto de siete millones de dólares por parte de la cadena, David Lynch juntó de nuevo al equipo y recompuso lo hecho en una nueva película. El resultado: "Mulholland Drive", sin duda la mejor película de Lynch desde Terciopelo Azul. Una obra de brutal fuerza en la que la brillante mezcla de géneros, los actores, la música, las imágenes... se mezclan en un "todo" verdaderamente sobresaliente, conmovedor y al más puro estilo de Lynch. La película funcionó muy bien comercialmente y ganó unas muy merecidas críticas que le supuso una nueva nominación truncada a los oscars y el premio al mejor director en el festival de Cannes de ese mismo año (2001).

Tras esto siguió un espacio de seis años hasta su nueva película, en la que el director se dedicó a labores publicitarias y a la realización de dos mini series para internet: "Dumb land" y posteriormente "Rabbits".

INLAND EMPIRE

INLAND EMPIRE (así: en mayúsculas) es su última película, en la que desarrolló nuevas técnicas digitales y que supuso su viaje más largo al mundo del surrealismo. Y esque Lynch se había quedado con ganas de hacer una película realmente surrealista tras Mulholland Drive. Pues bien, el resultado no es otro que dos horas y media de un viaje onírico y pesadillesco, el viaje del personaje interpretado por Laura Dern: una chica que acepta trabajar como protagonista en el remake de una película que nunca se llegó a estrenar, ya que todas las actrices fallecieron en misteriosas circunstancias. Hasta ahí todo claro, pero a partir de ahí, comenzarán a sucederse las imágenes y las escenas surrealistas cuyo nexo aún está por esclarecer... No obstante, le supuso el premio a la mejor película del 2007 junto con "Death Proof", de Tarantino por parte de la reconocida revista francesa de cine "Cahiers du cinema".

PÁGINAS INTERESANTES:

http://www.davidlynch.es/

http://es.wikipedia.org/wiki/David_Lynch

El Cine en Los Simpsons

Es una de las mejores series de la historia de la televisión. De eso no cabe duda, aunque los más de trescientos episodios hayan sido emitidos una y otra y otra y otra vez... hasta la saciedad.

Hoy homenajeo desde mi blog a una serie tan longeba como especial y apasionante, que dedicó siempre capítulos y escenas, planos, detalles, música... al cine.

En casi todos sus capítulos siempre hay algún "homenaje" cinematográfico e, incluso, hay capítulos enteros que han sido adaptados de películas.

Hoy os ofrezco unos ejemplos. A la derecha, el fotograma original de la película, a la izquierda, el adaptado de "Los Simpsons". Estén atentos, pues muchas de sus películas favoritas pueden ser parodiadas en esta serie única:

LA ESCENA: PLANO POR PLANO. LA ESCENA DE LA DUCHA DE "PSICOSIS" (Alfred Hitchcock)

Como seguro han comprobado ya, las películas de Hitchcock son un recurso casi habitual en cuanto a las parodias cinematográficas de los Simpsons. Arriba ya hay algunos ejemplos de "Psicosis", "Con la muerte en los talones", "Vértigo" y de la popular serie de TV: "Alfred Hitchcock presenta". Ahora os ofrezco cómo adaptaron la famosa escena de la ducha de Psicosis a la serie. No tiene desperdicio:

Con todo esto, he de decir que el mérito del enorme trabajo que supone buscar los fotogramas en la serie y en las películas y juntarlos no es mio, sino que lo encontré en una página web que recomiendo encarecidamente que visiten, pues incluye innumerables ejemplos de lo que hoy hemos visto aquí. Quizás pronto vuelva a poner algún ejemplo más...

http://www.joeydevilla.com/2007/09/22/simpsons-scenes-and-their-reference-movies/

FOTOGRAMAS vol.1

Hoy posteo el primero de la que supongo será una buena y entañable serie de fotogramas que han pasado a la historia (y no solo del cine), que todos tenemos en nuestras mentes, que han creado leyenda... Porque como bien dijo Hitchcock: "el cine es, ante todo, imágen".



UN VIAJE A LA LUNA (George Méliès, 1902)
Esta imagen se convirtió por su originalidad y por muchos otros factores, en un verdadero mito del cine que llega intacto a nuestra época como si de un cuadro se tratase.
Significado: El cine es magia


UN PERRO ANDALUZ (Luís Buñuel, 1929)
Me atrevería a decir que nos hallamos ante la imágen más transgresora de todo el S. XX (que ya es decir), y aún nos preguntamos qué era más poético: si el símil de la luna y la nube o el acto en sí del barbero que cercena el ojo a su víctima...
Significado: Transgresión


FRANKENSTEIN (James Whale, 1931)
Una imágen que resulta curiosa a primera vista: el monstruo que juega con la inocente criatura.
Significado: Monstruoso


DE AQUÍ A LA ETERNIDAD (Fred Zinnemann, 1953)
Imágen del cine romántico por excelencia. La pareja se besa sobre el suave manto de la arena mecidos por la olas del mar.
Significado: Romántico


PSICOSIS (Alfred Hitchcock, 1961)
La escena entera, fotograma por fotograma, ya es un mito en sí. Y es normal: Hitchcock tardó una semana entera en rodarla. Ha sido imitada hasta la saciedad. Gus Van Sant jugó a ser Dios intentando reconstruir fotograma por fotograma (en color) la película entera (y aún no sabemos cómo sobrevivió a tal nefasto experimento).
Significado: Terror... erótico?


CON LA MUERTE EN LOS TALONES (Alfred Hitchcock, 1959)
De nuevo Hitchcock para demostraros que todos sus planos querían decir algo. En esta ocasión Stewart corre perseguido por una avioneta fumigadora. Con esto queda provado que Hitchcock era un genio, y que irrumpió en nuestras mentes con más facilidad que el propio Freud.
Significado: Hitchcock


EL GRADUADO (Mike Nichols, 1967)
Icono de la seducción. No solo el bueno de Dustin se vio mal...
Significado: Seducción

EL PLANETA DE LOS SIMIOS (Flanklin J. Schaffner, 1968)

Aprovechando la muerte de Charlton Heston (con perdón), rememoramos la que quizás sea su imágen más vista en el cine.
Significado: (Quién sabe...)


TERCIOPELO AZUL (David Lynch, 1986)
Yo me quedo con esta imagen de Isabella Rosellini: la imagen perfecta para referirnos a uno de los grandes, David Lynch. ¿Por qué? Porque el fotograma define al director...
Significado: Oscuro, sensual, misterioso


LA TENTACIÓN VIVE ARRIBA (Billy Wylder, 1955) En realidad este fotograma sirvió más para recordar a una mujer que a un genial director o al cine en general. En fin... la chica lo valía.
Significado: Happy birthday, Mr. President!






Pronto volveré con otro artículo como estos. Mientras tanto me podeis sugerir fotogramas famosos en esta misma página, donde pone COMENTARIOS.
¡Gracias!

Lars Von Trier y el "Dogma 95"

Tras "la trilogía de la vida" y después de no haber publicado nada durante bastante tiempo, me propongo hoy a hablaros de uno de mis directores favoritos, Lars Von Trier, en un pequeño estudio personal a su obra, de innegable valor cinéfilo y cultural.

Lars Von Trier ha destacado en el cine por su visión crítica del mundo y por ser el creador del llamado "Dogma 95", un movimiento cinematográfico basado, principalmente, en tres pesquisas básicas: cámara en mano, luz natural y sonido directo.

Para los que crean que esto resulta altamente aburrido y poco interesante, están equivocados; para los que crean que el mundo no está preparado para esta particular visión, no les falta razón. Y lo cierto es que el mérito de Von Trier no reside en el Dogma en sí, sino en su perspectiva dramática y en su mentalidad para ofrecernos historias diferentes, frescas, escandalizadoras, críticas, obsesivas, radicales... porque, como él dice "Una película debe molestar como una china en un zapato".

Nació en 1956 y a los once años recibió su primera cámara con la que grababa producciones caseras con sus amigos. Estudió cine (donde adoptó en "von" de su apellido incitado por un profesor) y a comienzos de los ochenta comenzó a ganar premios por sus películas de estudiante.

Se ganó el reconocimiento de todo el mundo con "El elemento del crimen", su primera obra. Después dirigió la trilogía de Europa: Epidemic en primer lugar y Medea después. Esta película decepcionó tanto que los que lo habían alabado dieron literalmente al director como acabado. No obstante, la tercera y última pieza de la trilogía,"Europa", sirvió para cerrar muchas bocas.

Tras haber dirigido una miniserie de terror para la televisión ("El Reino"), dirigió "Rompiendo las olas", una película donde se veía ya la formación adulta del director en una historia dura y turbadora sobre una mujer que, quedando inválido su marido en un accidente, se ve obligada a prostituirse y, por consiguiente, será odiada y castigada por su pueblo.

Después de haber retomado su mítica serie de terror en una segunda parte, Lars Von Trier co-creó el movimiento cinematográfico "Dogma 95" y lo puso en práctica con la sobresaliente "Idioterne" o "Los idiotas" también llamada, y media Europa quedó pasmada ante esta subliminal sátira burlesca sobre unos jóvenes que viven en una comuna y se dedican a exhibirse en público como si fuesen retrasados mentales con la excusa de "buscar su idiota interior".

Hablemos ahora de "Bailando en la oscuridad". Von Trier escribió y dirigió este peculiar musical con Björk y ya solo por esto merece mención aparte. "Bailando en la oscuridad" se trata, en realidad, de una de las obras más sobresalientes del director, como siempre, por la innovación que presenta dentro de los musicales, los temas que trata y los personajes divinamente interpretados. La historia gira en torno a Selma, una madre soltera que se enfrenta a una ceguera inminente y, a contra reloj, intenta reunir el dinero para pagar una operación a su hijo pues, si no, se enfrentará al mismo problema que ella. Su casero, el marido de su mejor amiga, lo descubrirá y planeará robarla para pagar sus múltiples deudas. Selma, amante de la música y el baile, se comunicará con el mundo y con los espectadores a través de unas canciones extrañas, inquietantes, mágicas y realmente conmovedoras.

Enseguida se embarca en un nuevo e innovador proyecto cinematográfico con "la trilogía de Estados Unidos" que se solidificó en el 2003 con "Dogville", su primera parte, y posteriormente, en 2005, con "Manderlay". La idea principal era llevar el movimiento Dogma hasta su último extremo. De ahí se crea un escenario fijo, con el atrezzo pintado en el suelo, y un sistema de mímica para abrir puertas, representar disparos, fuego, el sonido de las montañas de EEUU... Todo ello contribuye de algún modo a la creación de nuevas formas de expresar el cine, o dicho de otro modo, nuevo lenguaje cinematográfico. Aún así, y llegados hasta este punto, el movimiento Dogma fue dejado en parte de lado por el director para estas últimas obras (recordemos que el dogma prohibe la música añadida , los muertos...)

A la espera de ver la tercera parte de la trilogía con "Wasington", Von Trier nos recompensa con un pequeño entremés titulado "El jefe de todo esto". Una inocente comedia sobre el mundo laboral que sigue (esta vez sí) todas las normas Dogma, incluso para reírse, literalmente, del público y del propio movimiento.

La Trilogía de la Vida

Así se llamó el conjunto de tres películas dirigidas por Pier Paolo Pasolini ya cercano su desgraciado asesinato en la playa de Ostia, en Italia.

Las tres películas, independientemente la una de la otra, estan formadas por una serie de relatos o historias breves, y unidas por un común denominador: la vida, que posee a su vez otros temas que caracterizan esta obra magna: la sexualidad, el amor, la lujuria, el placer, el engaño, la inocencia, la ingenuidad, la juventud, la vejez, , la muerte y, a fin de cuentas, lo sagrado y lo profano. Y cada una de las tres películas, tiene algo de especial y particular: su localización en el mundo.

La primera de ellas, "El Decamerón", está situada en la Italia moderna. Aquí sobresaldrán algunos temas más que otros como la religión y el sexo, o el sexo y la sociedad. Las historietas que componen esta primera parte de la trilogía son intercaladas con la creación de un fresco en una Iglesia italiana.

La segunda obra, "Los cuentos de Canterbury", se localiza en Gran Bretaña. En esta, un grupo de peregrinos se dirige a Canterbury y se intercambian historias; por otro lado, un desafortunado escritor (el propio Pasolini) trata de buscar inspiración.

La última pieza de la trilogía, "Las mil y una noches", es la ginda febril y desgarradora, romántica y poética. Situada en la zona árabe, los relatos narrados girarán en torno a una historia principal. En ella, un joven emprende un largo viaje lleno de obstáculos y trampas para dar con su amada, su joven esclava que fue secuestrada de su casa. La imagen de arriba pertenece a esta tercera obra.

Estas tres películas están basadas a su vez en tres obras literarias homónimas con un grandísimo e innegable valor para la literatura universal. Su razón de ser es el "exemplum", medio de transmisión en la narrativa medieval en la que una persona da consejo a otra segunda a través de cuentos moralistas (que es, al fin y al cabo, lo que tenemos en las películas).

Por último, añadir el hecho de lo personal del autor, Pasolini, que pese a que la tela (o los relatos e historietas contadas en cada una de estas películas) no está creada por él, el director y solo el director será quien pondrá el hilo y la aguja para unirlas de manera magistral y conmovedora, con el único objeto de enseñarnos qué es la vida (o de dónde viene) y, por qué no, de entretenernos con su ejemplar pulso narrativo.

Tres películas para Oscar

El pasado febrero fué el mes de los Oscar, y yo con retraso os ofrezco una actualización dedicada a dicho evento, centrandome en las películas que han logrado los cinco Oscars principales. Estos son: mejor película, mejor director, mejor guión y mejor actor y actriz protagonistas.

En total, solo tres las han conseguido. Veámoslas una por una:

SUCEDIÓ UNA NOCHE (IT HAPPENED ONE NIGHT, Frank Capra, 1934)

Pionera de las tres, esta película del siempre genial Frank Capra destaca por lo inteligente de unos diálogos que echan chispas y dos protagonistas que convirtieron esta historia de amor en una de las más famosas comedias románticas de todos los tiempos. Adelantada incluso a su época.



ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO (ONE FLEW OVER THE CUCKOO'S NEST, Milos Forman, 1975)


Extraña e imnótica película sobre enfermos mentales y su cuidado.
El director de "Amadeus" y "Man on the moon" nos ofreció a mediados de los setenta esta singular historia sobre un hombre incomprendido que, recluso en un centro para enfermos mentales, tratará de buscar respuesta a muchas preguntas existenciales. El humor y el drama se harán patentes a lo largo del film mostrando su cara más cruel e inhumana.



EL SILENCIO DE LOS CORDEROS (THE SILENCE OF THE LAMS, Jonathan Demme, 1991)


Basada en la novela "El silencio de los inocentes" de Thomas Harris, consiguió hacer estremecerse a millones de personas. Anthony Hopkins pasó a la historia por su magistral interpretación de Hannibal, un psicólogo caníval. Éste entrará en escena cuando una agente del FBI le pida ayuda en el caso de Bufalo Vil, un ser incluso superior a Hannibal en cuanto a crueldad.
El resultado: dos secuelas y una precuela (o mejor dicho: dos precuelas y una secuela) más malas que la primera (como era de esperar) pero por ello no poco interesantes. No obstante, y pese a sus curiosas nuevas aportaciones, jamás se dejaron ver brillantes ni llenas de vida propia como fue el caso de "El silencio de los corderos". La cronología histórica es: "Hannibal: el origen del mal", "El dragón rojo", "El silencio de los corderos" y, por último, "Hannibal". Mientras que fueron estrenadas de la siguiente manera: "El silencio de los corderos" (1991), "Hannibal" (2001), "El dragón rojo" (2002) y "Hannibal: el origen del mal" (2007).