Algo para picar...

Pido disculpas por mi ausencia estas últimas semanas, y para ir abriendo boca hasta que vuelva a escribir algo para el blog, ahí van algunas cosillas sueltas que he conseguido reunir:

NUEVA SECCIÓN VISUAL PREMIOS OSCAR (EN FILMAFFINITY)
http://www.filmaffinity.com/es/new_stuff.php


LA NUEVA (Y ESPERADA) PELÍCULA DE LARS VON TRIER:
http://www.elconfidencial.com/cache/2009/03/26/ocioytelevision_82_anticristo_trier_llegara.html

DAVID LYNCH: LA MERECIDA OPINIÓN DE UN SURREALISTA
http://www.youtube.com/watch?v=F4wh_mc8hRE

BUSCADOR DE CINE
http://www.buscacine.com/

Metacine: el cine sobre el cine

Hoy os ofrezco un pequeño catálogo de películas cuyo principal tema es el cine.

EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES (Billy Wylder, 1940)

El Maestro Billy Wylder rindió homenaje a las estrellas del cine mudo, que fueron olvidadas durante la transición cine mudo-cine sonoro.
La escena maestra: las estrellas (reales) del cine mudo (Buster Keaton, Hedda Hopper) jugando al pocker en la penumbra (en el crepúsculo) y en silencio. Insuperable.

CANTANDO BAJO LA LLUVIA (Stanley Donen, Gene Kelly, 1952)

Estupenda comedia y mejor musical que narra de una manera amena lo que supuso para muchos actores, directores y técnicos el paso del cine mudo al cine sonoro. No se les escapa ningún detalle: hasta del más minúsculo microfono e invento sacan ristras de carcajadas.

8 1/2 (Federico Felini, 1963)

Rodeos y ensoñaciones de Felini sobre un director que no sabe adónde va... a la hora de crear la película que se supone que le va a encumbrar. Pese a no referirse a ningún periodo de la historia de este arte, resulta imprescindible su visión.

GOOD MORNING, BABILONIA (Paolo Taviani , Vittorio Taviani, 1986)

Narra la historia de unos hermanos que viajan con ilusión a trabajar a Hollywood a principios de siglo. Constructores de catedrales en paro, habrán de conformarse como muchos otros de su oficio hicieron: contruyendo grandes decorados para las primeras películas de la historia del Cine.

En este caso, se refiere a Intolerancia, de Griffith.

ED. WOOD (Tim Burton, 1994)

Pese a ser una obra olvidada del director, cuenta con el aliciente de estar respaldada por la inmensa mayoría de no-fans del director y de narrar la historia de dos fracasados de la historia del cine: en primer lugar, el genial Bela Lugosi, el actor más famoso que ha encarnado jamás a Drácula, y en segundo lugar, el propio Ed. Wood, considerado "El peor director de la historia del cine".

DIOSES Y MONSTRUOS (Bill Condon, 1998)

No quería excluir a esta gran obra del cine contemporáneo. Una deciciosa actualización de la inolvidabel "El crepusculo de los dioses" con un muy existencial Ian McKellen.

REBOBINE ANTES DE DEVOLVER (BE KIND REWIND, Michel Gondry, 2008)

No es solo una película. Es más bien un documental que recoge esa pasión e ilusión que había por el cine cuando en 1895 un pequeño grupo de gente asistió a una reunión muy especial (el nacimiento del Cine). El humor es secundario y, ante todo, prevalecen las metáforas y el amor por encima de todo a un arte que ha sido suciamente empapado por la maquinaria del negocio. Véanla como se merece: con ilusión.

Un año de cine

Un añito cumple este blog y mil gracias os doy por leerlo y seguirlo. Pido perdón si alguna vez he tardado en actualizar por motivos de tiempo. Y para celebrar este primer cumpleaños, os obsequio con vídeos de promos de algunas de mis películas favoritas, y que os recomiendo que veáis. ¡Pongan a la mula a cargar!


SHORTBUS

http://es.youtube.com/watch?v=H8A1dwEhSMY

MULHOLLAND DRIVE

http://es.youtube.com/watch?v=96R9MG0DxLc

BUFFALO ‘66

http://es.youtube.com/watch?v=w-LW3ILUAqU

BAILAR EN LA OSCURIDAD

http://es.youtube.com/watch?v=-hO-ClTnME8

CON FALDAS Y A LO LOCO

http://es.youtube.com/watch?v=NnUNegRiP14

LA LENGUA DE LAS MARIPOSAS

http://es.youtube.com/watch?v=JSgUBrnRpAk

PSICOSIS

http://es.youtube.com/watch?v=EzAnE4zuYuA

CANTANDO BAJO LA LLUVIA

http://www.youtube.com/watch?v=FW02c5UNGl0

Los Mejores Productos Españoles Del Año

Otro año y tampoco hemos sido seleccionados para los Oscar. Tendremos que esperar al año que viene para ir de nuevo con Almodóvar y su nueva película "Los abrazos rotos", que se estrena en marzo.


¿Y qué hay de camino? A mi modo de ver la mejor película del año: la apuesta más refrescante del cine Español, esta vez de la mano de un director que ya nos tenía acostumbrados a sus sorpresas, aunque no de este tipo...


Hoy repaso desde este blog los mejores productos españoles del año. ¿Se perdieron alguna? Pues atentos a la jugada que llegan los Goya!!!



CAMINO (Javier Fesser)


Obra maestra del año. Brutal cuento de hadas y una solemne bofetada en la cara todos los religiosos radicales. Una niña, una obra de teatro, dos hombres (los dos llamados Jesús), y una película que crea dos mundos diferentes: uno, el de la madre, seguidora aférrima de las Escrituras, y otro más inocente y tierno: el de la niña. Camino se despliega como un verdadero sendero hacia lugares nuevos y aún sin explotar por el cine español, y que cuenta con excelentes actores, un guión sólido y un montaje perfecto de Fesser. Y siendo éste el director, la imaginación no sobra: más bien se desborda y crea una película llena de simbolismo, parábolas y metáforas perfectamente cosidas al cruel torso de la historia. Lo más difícil queda superado: la película no cae en ñoñerías sensibleras como ya caería en su tiempo Alejandro Amenábar en la superficial (perdonen este apunte) "Mar Adentro".


LOS GIRASOLES CIEGOS (José Luís Cuerda)

Cuerda la calificó como "la mejor película que he hecho". Personal, simbólica y siempre crítica. Cuerda cae de nuevo en mil clichés y temas ya repetidos hasta la saciedad del cine español. Sin embargo, esta película basada en dos de los cuatro cuentos de la novela homónima de Alberto Méndez ha sido elegida para representarnos en los Oscar. Y no es que la película sea mala: es meticulosamente correcta en todo y atractiva, sin embargo, otras obras más frescas como la ya citada Camino han sido olvidadas. Mencionar como algo especial el sincero guión escrito por el mismo Cuerda y el recientemente fallecido Rafael Azcona, uno de nuestros mejores guionistas y colaborador de Cuerda en otras películas suyas como El bosque animado o La lengua de las Mariposas.


LOS CRÍMENES DE OXFORD (Álex de la Iglesia)

Quizás ya olvidada por no haber sido una película realmente importante o transcendental y por el hecho de que fué estrenada en enero. La última película de Álex de la Iglesia no se ajusta a lo que ya nos tiene acostumbrados el director, sin embargo, crea una apasionante película en torno a un crimen encerrado en un crimen (y viceversa) y a dos grandes actores (Elijah Wood y John Hurt) y a dos ya conocidas actrices nuestras (Leonor Watling y Julie Cox).

SOLO QUIERO CAMINAR (Agustín Díaz Yanés)

Secuela de la primera película del director (Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto) con una retorcida trama de robos, crímenes y trampas, con tres mujeres en el medio y varios hombres (entre los que destaca Diego Luna) dando vueltas a su alrededor...



NOMINACIONES GOYA 2009
http://www.filmaffinity.com/es/awards.php?award_id=goya&year=2009

Diez Películas para estas Navidades

EL CASTILLO DE CAGLIOSTRO (Hayao Miyazaki, 1979)
Otra maravilla animada de Hayao Miyazaki, “el Walt Disney japonés”. En esta ocasión nos sumerge a dos de sus personajes (uno de ellos sugerentemente llamado “Lupin” y con muchos parecidos al ladrón de guante blanco Arsenio Lupin) en un país imaginario siguiendo la pista de unos billetes falsos. Aventuras e imaginación no faltan... no esperamos menos de Miyazaki.
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PERSÉPOLIS (Marjane Satrapi, Vincent Paronnaud, 2007)
Notable y fiel adaptación al cine del premiado cómic de Marjane Satrapi. Se trata de un pequeño trozo de historia iraní visto a través de los ojos de una niña que deja a su familia para irse a estudiar a Europa occidental. Maravilloso y muy humano punto de vista sobre los derechos de los niños y las personas, así como del horror de la represión, la guerra y el conservadurismo ideológico, político, moral y religioso.
*** 1/2

TRAINSPOTTING (Danny Boyle, 1996)
Otra película sobre las nefastas consecuencias de la droga que ya veíamos en filmes como Réquiem por un Sueño, de Darren Aronofski o Miedo y Asco en las Vegas, deTerry Gilliam. Esta vez el punto de vista es la integración social por un lado y las consecuencias de las acciones por otro. Un grupo de escéntricos jovenes escoceses crearán un oscuro y macabro mundo del cual será imposible salir para su protagonista.
En pocas palabras: “El peor retrete de Escocia”

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LA PRINCESA DE LAS OSTRAS ("Die Austernprinzessin" Ernest Lubitsch, 1919)
Desternillante y temprana comedia del maestro Ernest Lubistch. Esta vez, desde Berlín, pone en el punto de mira a los americanos… de cuya sociedad se burla con todo tipo de ocurrentes exageraciones. Fue la primera película donde introdujo el famoso “toque Lubistch” (hacer participar al espectador, convertirlo en un voyeur). Imprescindible película muda que harán las delicias de todos los amantes de la buena comedia.
****1/2

EL GRADUADO ("The Graduate" Mike Nichols, 1967)
Curiosa mezcla de géneros para una película divertida y diferente. Dustin Hoffman interpreta el papel de un ingenuo graduado que se ve acosado por las seducciones de una amiga de su madre. Los problemas, por si ya de por sí no fuesen pocos, comienzan a multiplicarse cuando entra en escena la hija de ésta última… Se podría catalogar esta película como comedia romántica, drama o comedia de enredos, pero se estaría cayendo en un error. Atención a la canción del famoso duo Simon & Garfunkel, realmente excelente.
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POZOS DE AMBICIÓN (“There Will Be Blood” Paul Thomas Anderson, 2008)
Aclamada unánimemente por público y crítica como Obra Maestra, Pozos de Ambición nos narra la terrible historia de Daniel Plainview, un empresario petrolero, y su hijo H.W, que se ven desafiados por un joven predicador. Una verdadera joya de nuestros días que ha sido comparada (quizás de forma un poco exagerada) con Ciudadano Kane.
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¿QUÉ FUE DE BABY JANE? (“What ever happened to Baby Jane?” Robert Aldrich, 1962)
Una de las mejores películas de la genial Bette Davis. En este caso representa el papel de Baby Jane, una olvidada niña prodigio que vive amargada junto a su hermana inválida, una queridísima ex actriz de Hollywood, a quien atormenta ferozmente. El secreto de su pasado carcome las paredes de la casa, infestada de crueldad, egoísmo y rencor.
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EL CREPÚSCULO DE LOS DIOSES ("Sunset Boulevard” Billy Wylder, 1950)
Una de las mejores películas de metacine de la historia, y una de las primeras obras del magnífico Billy Wylder.
Un mediocre escritor del Hollywood perseguido por sus acreedores da con sus huesos en una vieja mansión donde vive olvidada la que había sido una gran actriz de cine mudo. Atormentada por su fracaso como actriz a la llegada del cine mudo, planea su vuelta al cine. No pierdan detalle en el cameo de las verdaderas joyas olvidadas del cine mudo como Buster Keaton.
****1/2

PASCUAL DUARTE (Ricardo Franco, 1976)
Extraña película española, adaptación de la novela de Cela. Todos los elementos de la película (actores, escenarios, acciones…) se mantienen distantes en todo momento con el espectador, y siempre con consciencia de ello… hasta el fatal desenlace. La película produce una sensación fría y poco acogedora, pero himnótica y atrayente.
***


DELICIAS TURCAS (Paul Verhoeven,1973)
Considerada una de las mejores películas holandesas de la historia del cine, esta película cuenta la historia de amor entre un extravagante muchacho y una chica de clase adinerada. Drama erótico fuera de todo cliché y rareza excepcional que dio que hablar en su día.

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Alfred Hitchcock: Etapa americana

Esta semana os ofrezco la segunda parte de la filmografía del director. Esta vez su etapa en América, caracterizada por el afianzamiento de sus técnicas. Aún así, no se pudo librar de sufrir unos cuantos disgustos.




ETAPA AMERICANA (1940-1980)

“Rebeca” (1940) sustituyó al proyecto del Titanic. Y pese a que fue un enorme éxito y se llevó un oscar a la mejor película, Hitchcock nunca estuvo contento con ésta: “Le faltaba humor. No es una película Hitchcock”.

A Alfred Hitchcock nunca le dieron un oscar al mejor director. Solo en 1968 la academia le ofreció un oscar honorífico cuando su carrera atravesaba un mal momento.
En muchas ocasiones, el director se vio influido en sus películas, si no por el estudio, por sus amistades. Éste fue el caso de “Mr. & Mrs. Smith” su única comedia americana, con la que acabó por arrepentirse.



En 1943 rodó “La sombra de una duda”. Durante muchos años la contemplaría como su obra predilecta, mas acabó por desecharla. “Le falta humor” argumentó.
Hitchcock siempre fue un gran director en lo que a asumir riesgos se refiere, y un ejemplo de esto fue “Naúfragos” la cual rodó en 1944 en plena II Guerra Mundial, haciendo un brillante ejercicio de sangre fría, enmarcando el “microcosmos de una guerra” así como la psicología humana en sus diferentes facetas y personalidades, la moralidad y sin hablar de su ocurrente cameo…


Con “Recuerda” quiso hacer “el primer film del psicoanálisis” y para esto se aseguró la colaboración de Ben Hecht, que había trabajado con prestigiosos psicoanalistas, y Dalí, a quién confió la dirección artística de los sueños que aparecerían en la película.



Su siguiente film “Encadenados” fue descrito como un ejercicio de sencillez y brillantez en todo. Para él ésta fue realmente una película Hitchcock: intriga, suspense, humor y grandes estrellas (estaba interpretada por una de sus parejas favoritas: Cary Grant e Ingrid Bergman).





“La Soga”, en 1948, supuso un gran paso en la carrera del director, pues fue con ésta donde apareció por primera vez como productor. Además supuso su primer film en color y su primera colaboración con el actor James Stewart, al que idolatraba. Aparte del color, el director tuvo que vencer otros retos como rodar el film en solo tres tomas, ya que el escenario tiene lugar en una sola habitación y sin corte apenas en tiempo (de 19:30h a 21:15h en tiempo real).


En “Extraños en un tren”, Hitchcock trabajó por primera vez con un escritor profesional, Raymond Chandler. Además, su hija, Patricia Hitchcock, aparecía en el papel de Bárbara.
Mención especial merece la película “La ventana indiscreta” extraída de un relato de William Irish, un escritor muy semejante al estilo de Hitchcock. Con éste film, el director nos ofreció una historia “puramente visual” y nos convenció de que “todos somos voyeurs”, de que nos gusta espiar. Además venció el cliché de la historia de amor, pues en ésta película es Grace Kelly quien pretende el amor de James Stewart, que parece estar más preocupado por la vida privada de sus vecinos que por la muchacha.

“Las mujeres son damas en el salón y putas en la cama” dijo Hitch mientras rodaba “Atrapa a un ladrón”, queriendo explicar su pasión por las mujeres (sobre todo las rubias). Para él, sus actrices debían ser reservadas en la pantalla, para que cada movimiento constituyese algo realmente atrayente para los espectadores: desde el roce con un guante hasta un crimen. Esto no le impidió en absoluto ganarse algunos enfrentamientos con varias actrices. El más sonado fue con Tippy Hedren.

“¿Pero quién mató a Harry?”, estrenada en 1955, supuso para el director un ejemplo de su mejor humor: un humor negro, sano y alegre, que giraba en torno a un cadáver al que, según parece, todos han matado. Supuso el descubrimiento por parte del director de la actriz Shirley McLaine.
En 1956 rodó el remake de su film inglés “El hombre que sabía demasiado” cuyos cambios fundamentales fueron James Stewart y Doris Day cantando “Qué será, será…”, famoso tema que fue compuesto especialmente para el film.

Al igual que el cine mudo, Hitchcock siempre prefirió la calidad del cine en blanco y negro. Y llegó a rodar de este modo alguna película tras el cambio a color, como el film basado en un hecho auténtico “Falso culpable” y más tarde “Psicosis”.

“Vértigo”, basada en una novela escrita especialmente para el director, cuenta la historia de una obsesión, que Hitchcock llegó a catalogar como “necrofilia pura”.
Pero fue al año siguiente con “Con la muerte en los talones” donde Hitchcock resumió su etapa americana como lo había hecho ya en “39 escalones” con su etapa británica. Es en éste film donde podemos contemplar que sus grandes escenas y la receta de su éxito no son más que rehuidas de clichés habituales. Por ejemplo, la cita con el hombre misterioso con el que Stewart queda por teléfono (no es en un lugar cerrado y oscuro, como se acostumbra, sino abierto y soleado, y no ataca un hombre en una gabardina sino un avión).

Comienzan los 60 y con ellos la etapa más ambiciosa de Alfred Hitchcock. En 1960 rodó una de sus películas más célebres y la más rentable de toda su filmografía. “Psicosis” con costes mínimos de 800.000 dólares consiguió recaudar en su primer año más de 11 millones de dólares. Considerada junto con “Los pájaros” las dos únicas películas de terror de Hitchcock, la historia juega con el suspense y la psicología humana, y nos muestra a actores para nada famosos (Audrey Hepburn se negó a ser asesinada en la ducha) en situaciones de lo más brutal, como la famosa escena de la ducha, cuyo rodaje duró una semana. Todo esto convirtió a “Psicosis” en un icono del cine de terror.

Y no lejos en prestigio y en éxito quedó “Los Pájaros”, una de las cintas con más innovaciones en cuanto a efectos especiales (los ataques de los pájaros…) y sonoros (la banda sonora era el sonido de los pájaros) cuyo rodaje se prolongaría durante 3 años.




Hitchcock no solo triunfó en el cine, sino también en la televisión. En los cincuenta y en los sesenta el director dio su nombre a varias series de misterio y dirigió algunos de sus capítulos. La más famosa fue “Alfred Hitchcock Presenta…” que se mantuvo años en antena.

Pero fue a partir de mediados de los sesenta cuando Hitchcock sufrió una grave crisis. Según él, ya no había grandes estrellas. James Stewart estaba ya mayor y no servía para dar vida a sus papeles. Cary Grant se había retirado con el objeto de ser recordado en sus mejores momentos. Su actriz fetiche, Grace Kelly, se había convertido en princesa de Mónaco… “Marnie” la película que Hitchcock estrenó en 1964, fue pensada para ella, como su sonada vuelta al cine, mas en el último momento se echó atrás y fue sustituida por Tippy Hedren. Marnie fracasó y Hitchcock, que perdía la fe en sí mismo, se dejó influenciar tremendamente por el estudio, el cual le pedía historias de espionaje, que en esos momentos estaban en alza con las películas de 007. De este modo rodó “Cortina rasgada” y “Topaz”, que también fracasaron.

Tras esto, decidió romper con todo con una historia brutal de sexo y violaciones. Se iba a llamar “Kaleidoscope”. Pero pronto se vio disuadido y rodó algo más suave. Así pues, volvió a Londres para rodar una alegre historia de asesinos, falsos culpables y crímenes maníacos en la que, por primera vez, mostraba los senos desnudos de varias mujeres. Es la que hoy conocemos como “Frenesí”.

(En la foto vemos el muñeco de goma que iba a utilizar para su cameo en Frenesí. Acabó por olvidarse de la idea, debido a que el asesino no mataba a hombres)

Las excelentes críticas de “Frenesí”, estrenada en 1972, rejuvenecieron al ya cansado director, el cual ya no estaba en disposición de seguir rodando. Tras haber estrenado “La Trama” en 1976 que pasó sin pena ni gloria, Hitch comenzó a preparar una historia de amor y espionaje a su más puro estilo, “The Short Night”. Pero justo cuando todo estaba listo para empezar a rodar, el director se vio completamente incapacitado y lo dejó. Como escribiría Donald Spoto en su biografía más tarde: “el fin llegó sin suspense, sin violencia”. Murió en 1980.


EL LEGADO
Pese a que muchas de sus películas fueron en su día criticadas muy duramente y el director pasó desapercibido en múltiples ocasiones, hoy Hitchcock es un autor que ha vencido al tiempo. Sigue ganando premios, recibiendo inmejorables críticas y llenando salas; sus películas no envejecen y su estilo es imitado hasta la saciedad, tanto en cine como en televisión. Desde películas ( con remakes, guiños, homenajes, adaptaciones…) hasta series de éxito mundial (Los Simpsons, Perdidos…).

BIBLIOGRAFÍA

· IZZAGUIRRE, BORIS “El armario secreto de Hitchcock”. (Editorial Espasa)
· SPOTO, DONALD “La cara oculta del genio”. (Editorial JC / Editorial RBA)
· TRUFFAUT, FRANÇOIS “El Cine según Hitchock”. (Alianza Editorial)
· Revista Cinemanía. Número 144 (Septiembre 2007)
· http://es.wikipedia.org/wiki/Hitchcock (FILMOGRAFÍA)
· http://es.wikipedia.org/wiki/Lista_de_cameos_de_Alfred_Hitchcock (CAMEOS)
· http://www.gerard-bertrand.net/index_hitchcock.html (FOTOGRAFÍAS)
· http://hitchcock.tv/

Alfred Hitchcock: Etapa británica

Hoy y la semana que viene os hablaré de un director tan accesible y ameno como interesante. Se trata de Hitchcock, uno de los grandes directores del S. XX. Hoy vemos su etapa británica...

Alfred Hitchcock es, sin duda alguna, uno de los más sobresalientes directores de la historia del cine. Laureado por el público y la crítica, Hitchcock supo combinar hábilmente el cine comercial con el cine artístico creando un estilo muy personal que le hizo ganarse el título de “Maestro del suspense”. Se podría decir que es uno de los cineastas más influyentes del S.XX.

Ya desde joven mostró su entusiasmo por las artes dramáticas, más concretamente por el teatro y por el cine.
Mientras estudiaba arte alrededor de 1920, comenzó a interesarse más por el cine, sobre todo a partir de las películas de Griffith y, más adelante (sobre el 24) de Murnau. Fue por esta razón por la que dejó sus estudios para ilustrar los entretítulos de las películas. De este modo, conoció a escritores americanos y aprendió a escribir guiones.

ETAPA BRITÁNICA (1923-1939)

Pronto comenzó a trabajar como guionista, época en la que conocería a su esposa, Alma, quien trabajaría para él como ayudante de dirección y periodista, y con la que tendría su única hija, Patricia.
En 1923 se le encargaría el rodaje del film “The Number 13”, que quedaría inacabado. A partir de ahí, realizó dos películas más, pero no sería hasta 1926, con “The Lodger” cuando Hitchcock realizase su primer “Hitchcock Picture”, donde ya se pueden observar varios de los ingredientes que más tarde definirían su estilo: falso culpable, fetichismo, visualidad…

Hitchcock aparece en todas sus películas haciendo un pequeño cameo. Y fue en éste film donde el director apareció por primera vez. Hitchcock explicaría sus apariciones más tarde argumentando que, al principio, solo quería “amueblar la imagen”, luego esto se convirtió en una superstición, por último, en un gag. Aquí lo vemos en su habitual cameo en "Rebeca" (1940).


Como ya he mencionado, sus principales influencias en el cine fueron David W. Griffith y Murnau. El primero, por lo “anticuado” de algunas de sus películas, el segundo, por su preferencia a la imagen antes que a la palabra (bien escrita o hablada).
Y es que el cine mudo fue, para Hitchcock, una etapa de “cine real, cine neto”. Para el director lo primero siempre fue el cuidado de la imagen. “Contaré con diálogos o narraciones todos los aspectos de la historia que no pueda hacerlos con imágenes”. Su última película muda fue “The Maxman”, en 1929. Según Hichcock, con la llegada del cine sonoro, la búsqueda de ese “lenguaje cinematográfico puro que era la imagen” se fue reduciendo.

“La muchacha de Londres” (Blackmail, 1929), su siguiente película, fue desarrollada para cine mudo, pero durante el rodaje mutó y terminó siendo sonoro. Las líneas de ésta película se asemejan bastante a “The Lodger” o “Frenesí”.

Pese a que en numerosas ocasiones sus películas eran un éxito de público y crítica, el director se sentía molesto con éstas. Éste es el caso de “Juno and the Paycock”, en la que el director consideraba que tenía un gran valor literario, mas no cinematográfico.

Casi todas sus películas están basadas en novelas. En una entrevista con el director François Truffaut, Hitchcock afirmaba: “Yo no copio novelas tal cual, simplemente adapto su historia en mi imaginación y creo algo nuevo. Ahora mismo no te sabría contar Los Pájaros de Maurier”.

El director siempre intentó crear cosas nuevas. Durante toda su carrera hizo todo lo posible por evadir los clichés y los “whodonits”, estas historias con un detective y un asesino cuya identidad acaba revelándose al final (véanse las novelas de Agatha Chistie, por ejemplo). No obstante, el direcor siempre encontró atractivo su whodunit “Murder!” por su tono humorístico (uno de sus ingredientes por excelencia) y sus referencias a Sheakespeare.

Después de esta producción se encaminó en varios proyectos que, en mayor o en menor medida, fracasaron. Fue entonces, en 1934, cuando el director vio el film de Murnau “M” e hizo llamar a Peter Lorre (en la foto, arriba) para protagonizar también “El hombre que sabía demasiado”, de la que luego Hitchcock haría un remake en su etapa americana.
Fue con ésta última producción donde se ganó su mayor éxito de su etapa británica y pudo así retomar el control de sus producciones. De este modo fue como dirigió “39 escalones”, la película más representativa de su etapa británica.

“Nunca me ha importado sacrificar la verosimilitud de un film con tal de que fuese más interesante y atrayente” afirmaba Hitchcock. Es por eso por lo que más tarde aclararía en un diario francés “Yo no ruedo trozos de vida, para eso ya está la realidad, yo ruedo pedazos de pastel”.

Fue con “Agente Secreto” en 1936 cuando se reafirmó en su postura de aprovechar todos los elementos posibles de los escenarios donde se encontraba. Esto sucedería en muchos de sus fims: Atrapa a un Ladrón, Con la muerte en los talones, Frenesí…
Mientras rodaba “Alarma en el expreso” y sentía que en Inglaterra estaba terriblemente limitado como director, recibió un telegrama de David O’Selznick (en la foto) en el que lo invitaba a ir a América para rodar una película sobre el hundimiento del Titanic. Hitch, con una filmografía superior a 53 películas, siempre se caracterizó por aprovechar el tiempo al máximo, y aún le daría tiempo a rodar la última película de su etapa británica en 1939: “La Posada Jamaica”.